Il falsario

"Il falsario" di Stefano Lodovichi. Con Pietro Castellitto, Giulia Michelini, Andrea Arcangeli, Pierluigi Gigante, Edoardo Pesce, Aurora Giovinazzo, Fabrizio Ferracane, Edoardo Pesce, Claudio Santamaria, Mattia Carrano e altri. Italia, 2025 ★★+ 

Arcistufo di guardare serie TV a tempo perso e orfano da mesi di una programmazione cinematografica accettabile in sala, sono stato incautamente attratto da un film intero su Netflix, con la garanzia di una produzione Cattleya, che persevera nel meritorio tentativo di ricostruire la storia nostrana degli anni Settanta attraverso la descrizione degli intrecci fra trame rosse, nere, malavita, servizi deviati, insomma di quel "mondo di mezzo" romano protagonista ormai di una infinità di pellicole, serie TV, inchieste e libri di vario genere, tra cui Il falsario di Stato di Nicola Biondo e Massimo Veneziani, uscito ormai nel 2008, su cui si basa la sceneggiatura. Presentato all'ultimo Fesyival di Roma, racconta dunque della avventura nella capitale di Toni, (ispirato ad Antonio Chichiarelli e interpretato da un gigionesco Pietro Castellitto, dall'eterno e attonito sguardo ceruleo), Don Vittorio e Fabione, tre amici che da Rieti si trasferiscono nella capitale e faranno strada nei rispettivi settori: la carriera artistica, quella ecclesiastica e quella sovversiva (nella BR all'epoca del sequestro Moro). Il loro legame rimarrà intatto, salvo un tradimento finale, in tutta la intricatissima vicenda che scorre sotto gli occhi dello spettatore e che ha dell'inverosimile, per com'è resa nella pellicola, se non fosse che la realtà supera la fantasia. Personaggio principale è per l'appunto Toni, un vero talento, soprattutto nella riproduzione di falsi d'autore, qualità che gli apre le porte della collaborazione con Donata, che diventerà la sua compagna e complice nello smercio delle opere, e successivamente della collaborazione con Balbo (il sempre ottimo Edoardo Pesce), uno dei capi della Banda della Magliana, che gli metterà a disposizione gratuita un atelier in Via Giulia (che mi pare di riconoscere), e del Sarto (Claudio Santamaria), alto funzionario dei Servizi, infine con l'emissario di Cosa Nostra nella capitale (un Fabrizio Ferracane all'altezza) che si avvarranno della sua abilità nella contraffazione di documenti. Tra cui uno dei comunicati, il 7°, delle BR durante il sequestro Moro del 1978, un falso clamoroso che depistò le indagini sulla ricerca del suo cadavere nel Lago della Duchessa. Come uomo, complessivamente, è una vera merda, totalmente amorale, come testimoniano le frequentazioni a dir poco discutibili (mi viene in mente un certo reporter le cui vicende hanno riempito le pagine dei giornali durante questa calda estate), ed egocentrato. Non insisto sulla trama perché è troppo arzigogolata e confusionaria, ma garantisco che c'è di tutto, e tutto quanto già visto innumerevole volte e in tutte le salse. Il che andrebbe anche bene, perché la ricostruzione ambientale è credibile, le interpretazioni accettabili (a parte l'autocompiacimento del protagonista), il ritmo sostenuto, ma anziché buttare tutto nel tritacarne e miscelarlo per comprimerlo in un budello di due ore scarse, sarebbe stato più saggio diluirlo in una decina di puntate e serializzare il materiale, come del resto sarebbe vocazione di Netflix. Altro aspetto irritante è la mancata sottotitolazione in italiano quando i personaggi biasciano in romanesco ruminando le parole e mangiandosi consonanti per di più a mezza voce: un buon quarto del film è inintelligibile per buona parte del pubblico. Insomma, mi aspettavo di più, ma sbagliavo io. Speriamo in meglio per l'avvio della stagione autunnale.

Le Aquile della Repubblica

"Le Aquile della Repubblica" (Eagles of the Republic) di Tarik Saleh. Con Fares Fares, Lina Khoudri, Zineb Triki, Amr Waked, Ahmed Khayri e altri. Svezia, Francia 2025 ★★★

Appena uscito con oltre un anno di ritardo sulla presentazione al Festival di Cannes 2025, sono subito corso a vedere l'ultimo lavoro di Tarik Saleh, regista svedese di origini egiziane, che avevo ammirato nei precedenti Omicidio al Cairo e La cospirazione del Cairo: questo Le Aquile della Repubblica, che completa una sorta di trilogia che ha per protagonista la capitale egiziana (e lo scopo dichiarato di denunciare la corruzione a ogni livello, in particolare del regime occhiuto, repressivo e violento che opprime il Paese, l'ultimo, quello di Al Sisi, di una lunga serie) non è però all'altezza dei due precedenti. A chiusura di un cerchio, mentre il primo si concentrava sulle forze di polizia, il secondo sul mondo religioso, quest'ultimo film prende di mira direttamente l'entourage del presidente attuale, che vi compare in duplice veste: dal vero in filmati ufficiali, e per interposta persona, ossia George El Nabawi, il "Faraone", la stella più brillante del cinema nazionale, che vede anche in questa occasione come protagonista Fares Fares, che si trova costretto a interpretare Abdel Fatah al-Sisi in un film celebrativo, che ne narra le eroiche gesta nel periodo precedente al suo insediamento con il colpo di stato del luglio 2013, quando depose il presidente legittimo al Morsi: il generale era allora comandante delle Forze armate e al contempo ministro della Difesa, e aveva già fatto capire al presidente in carica che il giuramento di fedeltà al Paese e alla sua Costituzione non avrebbe significato che comprendesse per forza la sua persona. Personaggio vacuo, copto e non musulmano, capriccioso, sostanzialmente amorale, un mentitore seriale e professionale, George vive da separato con una coetanea di suo figlio, aspirante attrice, e può permetterselo grazie alla sua fama e alla sua ricchezza, ma è facilmente ricattabile, e viene costretto ad accettare la parte da qualcuno prossimo alle alte sfere, che minaccia la vita del figlio, benché l'attore fisicamente sia l'esatto contrario del presidente: più alto di una testa, magro e dalla capigliatura folta, il tutto basato su un copione grottesco imposto dall'alto al regista, a sua volta, sotto ricatto, il che dà adito anche a un film-nel film che scorre parallelo all'intorbidirsi della vicenda, la quale si arricchisce di complotti a diversi livelli e trappole che scattano inesorabili con l'intricarsi della vicenda "extra-set", e diventa realmente pericolosa per il malcapitato quando questo è così avventato da diventare l'amante della bella moglie del ministro della Difesa. A differenza dei film precedenti, non manca l'aspetto farsesco: George viene rappresentato sostanzialmente come uno che vive fuori dal mondo, recitando costantemente una parte, che involontariamente si trova immischiato in una trama che non capisce, e che francamente non è di facile comprensione nemmeno per lo spettatore, a cui tocca seguire intrighi e tradimenti reciproci tre le Aquile della Repubblica che, almeno in teoria, ne dovrebbero essere i difensori, e culmina con una improvvisa sparatoria che ricorda nella dinamica l'attentato che costò la vita ad Anwar al-Sadat, terzo presidente della Repubblica, il 6 ottobre del 1981 (gli succedette Hosni Mubarak, di berlusconiana memoria), la scena più spettacolare e inaspettata del film, che si avvia a una conclusione stanca e abbastanza piatta. Insomma: d'accordo con i chiari intenti di denuncia (va da sé che il Tarik Saleh non ha girato il film in Turchia e al Cairo non ci abbia messo piede), meno su come in questa occasione sia stata esplicitata nella vicenda, troppo ingarbugliata e che, per la cotê in parte comica della sceneggiatura, manca della tensione delle pellicole precedenti. Alla fine comunque il risultato è accettabile, in considerazione dell'offerta in sala di questo periodo. Bravi gli interpreti principali, in particolare Fares Fares e Zineb Triki, l'amante non convivente, con cui il "Faraone" avvia una relazione quanto mai pericolosa...  

L'Hangar Rosso

"L'Hangar Rosso" (Hangar Rojo) di Juan Pablo Sallato. Con Nicolás Zárate, Boris Quercia, Marcial Tagle, Catalina Stuardo, Aron Hernández, Renzo Fioretti e altri. Cile, Argentina, Italia 2026 ★★★★+

Lungometraggio d’esordio dei documentarista cileno Juan Pablo Sallato e presentato con buon esito all’’ultima Berlinale, L’Hangar rosso è transitato come una meteora sugli schermi nostrani, mentre vi avrebbe meritato una permanenza maggiore oppure l’uscita in sala in un periodo meno infelice, infarcito com’è di ripescaggi da stagioni passate, proposte di commediole insulse ma anche favorevole a operazioni commerciali e mediatiche in grande stile come quella che ha accompagnato il lancio di Odissea di Chris Nolan, che sta catalizzando l’interesse di un pubblico di boccaloni abbacinati dall’Evento a cui si sentirono in dovere di presenziare per poter dire la loro sui sòscial e schierarsi a favore o contro, come su ogni argomento buttato in pasto dai media ai loro affamati fruitori, rigorosamente a cazzo. Tratto dal libro Disparen a la bandada di Fernando Villagrán che racconta una vicenda avvenuta nei giorni a cavallo del golpe militare dell’11 settembre del 1973 in Cile che ha posto fine alla presidenza di Salvador Allende, il film racconta il dubbio morale tra l’obbedienza agli ordini e la propria coscienza che attanaglia il capitano d’aviazione Jorge Silva. Famoso per i suoi trascorsi di provetto paracadutista, rispettato e amato dai suoi uomini e già a capo dell’intelligence della sua arma (aveva denunciato nel 1970 un suo superiore per cospirazione contro il presidente), al tempo dirigeva un centro di formazione per cadetti nella zona Sud di Santiago, da dove peraltro sarebbero partiti i caccia che avrebbero bombardato il Palazzo della Moneda in quel giorno fatidico. Qualcosa era nell’aria, ma solo la mattina del golpe e proprio dal colonnello che aveva “inguaiato”, riceve l’ordine di predisporre nel centro d’addestramento un luogo dove trattenere, interrogare (e torturare) la “feccia comunista” che l’esercito avrebbe rastrellato in quelle prime ore nelle sedi dei partiti, nelle fabbriche, nelle scuole e università e nelle abitazioni dei militanti di sinistra e dei simpatizzanti di Unidad Popular. Insomma, l’intento è di metterlo alla prova oppure renderlo comunque complice dell’abiezione che avrebbe portato a un totale stimato di 40 mila desaparecidos durante i lunghi anni di una dittatura che sarebbe durata fino al 1990, per non parlare del numero dei torturati, incarcerati ed esiliati. Così viene allestito l’Hangar rosso, uno spazio che sarebbe diventato il centro di raccolta degli interrogandi allo scopo di costringerli a rivelare i nomi dei compagni latitanti e l’indirizzo dei loro “covi”, insomma un luogo di detenzione clandestino, mentre se non altro quello diventato famoso in tutto il mondo dello Estadio Nacional de Chile era quello ufficiale. Nell’ambientazione claustofobica del centro militare, in particolare nell’hangar, resa ancora più efficace dalla potente e a tratti abbacinante fotografia in bianco e nero scelta da Sellato, e in un paio di scene nell’abitazione cittadina di Silva, messa sotto controllo dai superiori del capitano, costretto a “cifrare” i suoi colloqui con la consorte, docente universitaria e di per sé sospetta, si svolge dunque una sorta di thriller morale che copre un arco temporale di non più di 36 ore, dalla sera precedente il colpo di Stato alla mattinata successiva, reso angosciante quanto credibile dalla perfetta interpretazione del personaggio principale da parte del bravissimo Nicolás Zárate, a cui non è secondo Marcial Tagle nei panni del colonnello Mário Jahn. Non svelo il finale, che sta nei titoli di coda, salvo che Jorge Silva è morto in esilio volontario a Londra nel 2024 dopo essere riuscito comunque a fare annullare in patria la condanna a 20 anni di reclusione per “tradimento della patria”, subita assieme ad alti ufficiali lealisti.  

L'infiltrata

"L'infiltrata" (La infiltrada) di Arantxa Echevarría. Con Carolina Yuste, Luís Tosar, Iñigo Gastesi, Diego Anido, Víctor Clavijo, Nausicaa Bonnín, Pepe Ocio a altri. Spagna 2024 ★★★★

Il filone dei film e delle serie spagnoli legati alle vicende dell'ETA, l'organizzazione indipendentista basca che ha cessato la propria attività militare soltanto nel 2011 per sciogliersi definitivamente nel 2018 è particolarmente florido, anche se solo una parte di essi sono passati sugli schermi cinematografici o televisivi nostrani, il che dimostra che quel fenomeno terrorista, particolarmente intenso e brutale quanto la controffensiva dello Stato spagnolo, si sia sedimentato nella coscienza collettiva dei nostri "cugini" ben più dei cosiddetti "anni di piombo" nostrani. Arantxa Echevarría affronta l'argomento da un punto di vista originale, prendendo spunto da una vicenda vera, quella della giovanissima agente della Polizia Nazionale Elena Tejada, che accetta di infiltrarsi, siamo agli inizi degli anni Novanta, negli ambienti della izquierda abertsale (sinistra patriottica) di Donostia/San Sebastián, braccio politico dell'ETA, dove trascorre sei anni sotto la falsa identità di Mónica Marín prima che dal gruppo terrorista le venga chiesto di ospitare due membri dell'organizzazione in clandestinità, ossia lo scopo dell'intera operazione: siamo in un periodo in cui l'ETA aveva dichiarato una falsa tregua, mentre invece si accingeva a compiere attentati particolarmente sanguinosi. Dicevo originale, perché per quanto l'impianto del film sia quello di un thriller incalzante, grazie anche a un montaggio alternato estremamente efficace e a tratti adrenalinico, il vero oggetto del film è introspettivo, centrato sulla figura della protagonista, interpretata da una bravissima Carolina Yuste, in quanto donna prima che come agente di polizia, la cui personalità viene via via disgregata in seguito alla decisione di accettare la missione, da un lato attraverso la costante manipolazione da parte del suo capo e unico referente, Angel (Luís Tosar), detto El Inhumano, una sorta di figura paterna sostitutiva, dall'altro attraverso il suo forzato adattamento a una situazione sempre più intricata e pericolosa, in quanto i due "ospiti", e particolarmente il secondo, Teruel, un vero psicopatico, non si fidano del tutto di lei, e le continue maschere che deve imporsi, cosa che capita per altri versi anche ma anche al suo contraltare Andrea (Nausicaa Bonnín), apparentemente una figura secondaria, l'unica donna del gruppo operativo della Polizia che funge da "controllore" di Mónica, un'unità dell'antiterrorismo per il resto unicamente composta da uomini. Il ritmo è incalzante, l'ambientazione assolutamente perfetta e del tutto credibile (mi è capitato di essere in zona, tra San Sebastián e Bilbao, proprio in quegli anni e mi ricordo bene il senso di tensione opprimente, quasi claustrofobico), la descrizione dei personaggi assolutamente credibile ed efficace, il risultato è una pellicola che inchioda lo spettatore alla poltrona per la violenza, che pure mai esplicitata attraverso scene di crunete e sanguonolente è la costante di tutto il film, perché è psicologica, nelle relazioni tra i personaggi, e ambientale, perché è costantemente nell'aria, in qualsiasi frangente della vita quotidiana. Chi in Euskadi è stato all'epoca, oppure ha letto Patria di Fernando Aramburu (oppure anche solo ha visto la serie TV di HBO che ne è stata tratta nel 2020) sa di cosa parlo. Un film che suggerisco di andare a vedere. 

After Life - Qual è il tuo ricordo più bello?

"After Life - Qual è il tuo ricordo più bello?" (Wandāfuro raifu) di Kore'eda Hirokazu. Con Arata, Erika Oda, Susumu Terajima, Takashi Naitô, Kyôko Kagawa, Yusuke Yseya e altri. Giappone 1998 ★★★★★

E' stata una piacevole sorpresa tornare a frequentare la frescura di una sala cinematografica dopo oltre un mese di astinenza recuperando un film del grande cineasta giapponese Kore'eda Hirozaku che mai era uscito prima in Italia benché fondamentale nella sua carriera: si tratta del suo secondo lungometraggio, dopo l'esordio fulminante con Maborosi del 1995 e Nessuno lo sa  (Nobody Knows), che gli diede la definitiva consacrazione internazionale. Miscelando finzione ed elementi documentaristici che, data la sua formazione, rispuntano costantemente nelle sue opere, conferendo loro quella pulizia formale e obiettività scevra da giudizi che lascia parlare le immagini e in particolare i dettagli delle inquadrature, che cura con un'attenzione che ha pochi uguali, After Life racconta la permanenza temporanea di un gruppo di persone appena defunte in una sorta di limbo, situato in un anonimo edificio amministrativo in stato di semiabbandono dove, assistite da apposito personale opportunamente addestrato, anch'esso deceduto, che le aiuta a focalizzare un solo ricordo della loro esistenza: sarà quello che porteranno con sé per sempre. Avranno tempo una settimana per fare la loro scelta, da effettuarsi dopo una serie di colloqui con gli impiegati, che li coadiuvano con grande pazienza, attenzione e rispetto. Se sono rimasti con il compito a loro attribuito in quella situazione di passaggio è perché a loro volta non sono stati in grado o non hanno voluto effettuare quella scelta. Una volta individuato il ricordo, quel momento che diventerà eterno verrà ricostruito sul set cinematografico dagli assistenti e proiettato agli ospiti del centro al termine del loro passaggio tra la vita e la morte. Il ventaglio delle scelte è quanto mai vario e tutt'altro che scontato: colpisce semmai la banalità di alcune di loro oppure la loro bizzarria, così come la decisione di non scegliere oppure di cambiarla nel corso dei colloqui, così come anche quelle "depistanti", per non far trapelare la vera personalità degli "intervistati". Del resto, per le risposte, Kore'eda a suo tempo si era basato su un sondaggio effettuato da un gruppo di studenti universitari su 500 un campione di 500 persone. Tutte le risposte hanno diritto di cittadinanza, nella situazione immaginata dal regista, che è del tutto laica e umanista e nulla ha a che vedere con una dimensione religiosa, e invariabilmente coinvolge lo spettatore che vi si immedesima e si pone a sua volte le domande  inevitabili sul senso della propria esistenza, su quel che ne rimane, sui ricordi e sulla memoria in generale e sull'identità di ogni persona, sulla labilità dei rapporti umani, e sulla relazione tra realtà e rappresentazione, temi che, come quello della famiglia, sono onnipresenti nell'autore e regista giapponese, e ne hanno caratterizzato il lavoro fino a oggi. E che non delude mai.

Amarga Navidad

"Amarga Navidad" di Pedro Almodóvar. Con Barbara Lennie, Leonardo Sbaraglia, Aitana Sánchez-Gijón, Vicky Luengo, Patrick Criado, Milena Smit, Quim Gutierrez, Carmen Machi, Rossy De Palma e altri. Spagna 2026 ★★★★+

Che i film di Pedro Almodóvar, che quest'anno compirà 77 anni, siano intrisi di elementi autobiografici è evidente fin dai suoi esordi: ipocondria, dolore per la separazione o per la morte delle persone amate, crisi di ispirazione sono ingredienti che ha sempre saputo miscelare con grande bravura dando vita a pellicole che sono dei variopinti e intensi cocktail di emozioni, in cui colori e musica hanno, significativamente, un ruolo di primo piano. Con l'avanzare dell'età del regista, malattia e ansia da pagina bianca (o schermo vuoto) hanno comprensibilmente preso il sopravvento, ma nelle sue opere di autofinzione, per quanto possa rivelare le sue angosce e la sua disillusione, Don Pedro riesce a farlo con un'autoironia sincera e disincantata per cui lo si segue sempre con piacere, oltre che affetto, nelle sue contorte elucubrazioni mentali, anche perché, in fondo, sono quelle di tutti, se vogliamo essere sinceri. In questo divertissement che è un gioco di specchi, Almodóvar propone un film nel film, o più precisamente una sceneggiatura in una sceneggiatura, dove Raúl (Sbaraglia), un regista di culto che da 5 anni non gira più un film e in preda alle sue paranoie, inizia a scrivere Amarga Navidad, che racconta del suo alter ego al femminile Elsa (Bárbara Lennie), con due film apprezzati solo dai cinefili in carnet, e che ormai gira solo spot pubblicitari, immaginando la sua prima crisi di panico di vent'anni prima. In realtà lo fa vampirizzando Mónica (Aitana Sánchez Gijón), la sua fedele lettrice e collaboratrice da, appunto, vent'anni, che si è appena licenziata lasciando il suo incarico di collaboratrice e, di fatto, "badante", all'attuale compagno di Raúl, Santi (Quim Gutierrez). Il motivo, è occuparsi a sua volta della compagna, Natália (Milena Smit), aspirante suicida in seguito alla morte del figlio in un incidente. Vendetta per l'abbandono? Una sorta di plagio, in mancanza di un colpo d'ala di una fantasia ormai esaurita? Elsa diventa l'alter ego di Raúl così come questi lo è di Almodóvar, che però è in parte anche Mónica e che si autocannibalizza davanti al  pubblico che da anni lo segue e, in parte, riesce a identificarcisi. Insomma, può piacere o meno, ma Don Perdo rimane un maestro e, con una camera da presa in mano sa cosa farci, così come a scrivere un film e mettere a nudo le contraddizioni umane in tempi stranianti come quelli attuali. E, come si sarà capito, a me piace così, perché comunque siamo ad alti livelli. Molto bravi tutti gli interpreti, quelle femminili innanzitutto. Merita, come sempre.

The Sea

"The Sea" (Ha'yam) di Shai Karmeli-Pollak. Con Muhammad Gazawi, Khalifa Natour, Marlene Bajali, Hilla Sarjon, Gabriel Horn a altri. Israele 2025 ★★★★

Opera di finzione, diretta dal documentarista israeliano Shai Karmeli-Pollak e girata da una troupe mista di ebrei e arabi, The Sea racconta attraverso una storia semplice ed emblematica la tragica realtà vissuta dai palestinesi in Israele e in particolare nei territori occupati abusivamente dallo Stato ebraico. Khaled è un ragazzino di 11 anni che vive a Ramallah, in Cisgiordania: territorio teoricamente amministrato dall'Autorità (fantoccio) Palestinese e di fatto occupato da Israele che procede instancabilmente a insediarvi i suoi coloni, sionisti fanatici. Ha un sogno: vedere per la prima volta nella sua vita  il mare, e sta per realizzarsi quando la sua classe va in gita scolastica a Tel Aviv, ma ai controlli di frontiera viene rimandato indietro, da solo, perché il suo permesso non risulta valido. Bruciato dall'esperienza, Khaled non molla il colpo e decide di andarci per conto suo, seguendo il percorso del padre, che a sua volta sta lavorando come muratore (clanidestino e in nero) in un cantiere di Tel Aviv, ossia l'espatrio clandestino lungo canali ben oliati e conosciuti. Si trova così sperduto nella metropoli israeliana, in un Paese ostile, di cui non conosce la lingua, anche se nulla, nel suo aspetto, lo possa distinguere dalla popolazione locale (salvo, ad esempio, non portare la kippah sul capo, cosa che peraltro ben pochi ebrei fanno). Nel frattempo il padre, Rihbi, viene messo in allarme dai parenti di Ramallah i quali lo avvertono che il ragazzino è scomparso per recarsi, presumibilmente, a trovarlo o, appunto, a vedere il mare, e così il film racconta la duplice odissea cittadina dei due: del perseverante Khaled, e di Rihbi che si arrabatta per rintracciare il figlio, e lo fa attraverso i diversi incontri che i due fanno, nelle rispettive ricerche, con una realtà estranea, ostile, in cui sono clandestini e devono passare il più possibile inosservati. E' la realtà, non le singole persone, a essere loro avversa, e troverà il suo epilogo quando Rihbi sarà costretto a rivolgersi alla polizia per segnalare la scomparsa del figlio, rivelando così la sua condizione di "abusivo", con la certezza che perderà il suo lavoro, già di per sé precario, e Khaled sarà rintracciato proprio a pochi passi dalla agognata meta: la spiaggia della città. Senza bisogno di forzare le situazioni e senza proclami, lasciando parlare le immagini, i volti dei protagonisti (bravissimi) e le situazioni, il regista raggiunge il suo scopo di far riflettere lo spettatore se sia giusto che un'intera popolazione debba rinunciare a qualsiasi sogno e a un qualsiasi futuro che non sia determinato da chi lo opprime ormai da generazioni, e se sia consentito al mondo, che con Israele intrattiene rapporti di ogni genere, chiudere ancora gli occhi. Ovviamente no, almeno per quanto mi riguarda. Benché abbia vinto l'anno scorso cinque premi degli Ophir Awards, ossia l’equivalente israeliano degli Oscar, non è certo un caso che il governo israeliano faccia di tutto per evitarne la diffusione: a maggior ragione sarebbe opportuno approfittare del fatto che sia in programmazione in alcune sale scelte del nostro Paese, prima che scompaia nel dimenticatoio.